Monat: August 2024

Das Slamdance Film Festival, das für sein Engagement für unabhängige Filmemacher bekannt ist, wird ab Februar 2025 von Park City, Utah, nach Los Angeles umziehen.

Dieser von Slamdance, der von Künstlern geführten Organisation „von Filmemachern für Filmemacher“, angekündigte Wechsel steht im Einklang mit ihrer Mission, eine zugängliche und dynamische Gemeinschaft für visionäre Filmschaffende zu schaffen.

Ausweitung von Programmen und Partnerschaften

Das Festival findet vom 20. bis 26. Februar 2025 an verschiedenen Orten in und um Hollywood statt, unter anderem in den Landmark Theatres und im DGA Theater Complex, wobei weitere Veranstaltungsorte noch bekannt gegeben werden.

🚀📢💥 BIG NEWS 🚀📢💥
Slamdance hits Los Angeles in 2025!

We are hyped to unveil a groundbreaking shift: Slamdance is embarking on a bold journey to the epicenter of cinema—Los Angeles—beginning in February 2025.

Visit https://t.co/W5WGiqobYV to learn more about our move! pic.twitter.com/5jvLo3YuiO

— Slamdance (@Slamdance) April 30, 2024

Es wird eine Reihe von Programmen geben, darunter die kostenlose Bildungsinitiative Polytechnic, die einminütige Kurzfilmreihe ‚6ixty‘, Next Wave LA, die die Arbeit von Künstlern aus LA im Bereich der neuen Medien vorstellt, und das DIG-Programm (Digital, Interactive, Gaming), das sich auf erlebnisorientierte und fortschrittliche Inhalte konzentriert.

wird das kontinuierliche Wachstum der ganzjährigen Mission von Slamdance ermöglichen, eine zugängliche und dynamische Gemeinschaft für wirklich unabhängige, visionäre Filmemacher und Kreative zu schaffen.

Leiter des Festivals

Peter Baxter, der Präsident und Gründer des Festivals, äußerte sich begeistert über diesen Umzug und betonte: „Slamdance kommt nach Los Angeles!“ Das Festival bleibt seiner Mission treu, Regiedebüts mit Budgets unter 1 Million Dollar und ohne US-Vertrieb zu fördern.

Panasonic LUMIX ist weiterhin offizieller Sponsor und unterstreicht damit die Verbindung von Spitzentechnologie und unabhängigem Filmemachen. Das Festival freut sich außerdem über Partnerschaften mit der DGA, Landmark Theatres, AGBO und die Unterstützung der Bürgermeisterin von Los Angeles, Karen Bass, die die Rolle des Festivals als Drehscheibe für Kreativität und Beschäftigungsmöglichkeiten in der Stadt würdigt.

Unsere Reise in die Filmindustrie begann bei Slamdance, und unser Engagement für das Festival und die Möglichkeiten, die es Filmemachern bietet, ist unerschütterlich geblieben

Filmemacher und AGBO-Mitbegründer Anthony und Joe Russo

Die Eintrittskarten für das Festival werden zu einem erschwinglichen Preis von 50 Dollar erhältlich sein, um einem breiten Publikum den Zugang zum unabhängigen Kino zu ermöglichen. Bestimmte Programme werden auch für die Öffentlichkeit kostenlos zugänglich sein, was das Engagement von Slamdance für die Inklusion unterstreicht.

Das Engagement des Festivals für aufstrebende Talente bleibt bestehen, denn die Einreichungsfrist endet am 8. Mai 2024. Zu den namhaften Alumni und Unterstützern gehören Branchengrößen wie die Russo Brothers, Emma und Christopher Nolan, Gina Prince-Bythewood, Sean Baker, Rian Johnson, Bong Joon Ho, Merawi Gerima, Marie Jamora und Steven Soderbergh.

Wer die Geschichte und die Landschaft des unabhängigen Geschichtenerzählens kennt, weiß, dass Los Angeles als kreative Hauptstadt der Welt schon immer eine Heimat und eine Quelle der Inspiration für Künstler war.

Bürgermeisterin Karen Bass

Seit 1995 hat Slamdance aufstrebende Talente durch Plattformen wie den Drehbuchwettbewerb, DIG, Polytechnic und Unstoppable gefördert, sich für unterschiedliche Stimmen eingesetzt und den Wandel im Filmemachen vorangetrieben. Der Umzug nach Los Angeles bedeutet eine große Veränderung im unabhängigen Kino und könnte andere wie Sundance dazu inspirieren, diesem Beispiel zu folgen und eine Ära des Wachstums und der Veränderung einzuläuten.

Der renommierte Filmemacher John Waters wird seit langem für sein einzigartiges, provokantes Werk gefeiert.

Von Pink Flamingos bis Hairspray hat er eine bemerkenswerte Fähigkeit bewiesen, Filme zu schaffen, die einen bleibenden Eindruck hinterlassen.

EJ Moreno von Flickering Myth stellt Ihnen einige der weniger bekannten, aber nicht minder beeindruckenden Werke des Mannes vor, der auch als der Papst des Trash bekannt ist.

Jedes seiner Projekte ist genauso schockierend wie das nächste

EJ Moreno

Man sagt, dass Waters es versteht, Filme zu drehen, die man noch lange nach dem Anschauen nicht vergisst. Es gibt jedoch einige Perlen in seinem Repertoire, die selbst die eifrigsten Fans vielleicht noch nicht gesehen haben.

Versteckte Juwelen

Es ist schon eine Weile her, dass John Waters uns mit einem abendfüllenden Film beehrt hat.

Leider war sein letzter Film, obwohl er unterschätzt wurde, kommerziell nicht so erfolgreich wie einige seiner anderen Filme. Das schmälert jedoch nicht seinen Schockwert oder die Wirkung, die er auf seine Zuschauer hatte.

Desperate Living ist EJ Morenos persönlicher Favorit unter diesen übersehenen Filmen. Diese transgressive lesbische Trash-Oper aus dem Jahr 1974 ist ein Zeugnis für Waters‘ kühne Erzählkunst und seinen grenzüberschreitenden Humor.

Dieser Film, der in den Anfängen seiner Karriere entstand, ist ein absoluter Leckerbissen für Fans des Regisseurs und kann auf Youtube für weniger als drei Dollar angesehen werden.

Mondo Trasho ist ein weiteres schwer fassbares Juwel von John Waters, das Kultstatus erlangt hat. Dieser Film von 1969 ist eine bizarre Erkundung von bösem Fußfetischismus, Amputierten und der Jungfrau Maria.

https://x.com/THR/status/1703869112735420670

Es ist eine Schande, dass dieser Film aufgrund von Urheberrechtsproblemen kein breiteres Publikum erreicht, aber für Kenner bleibt er ein Muss.

The Diane Linkletter Story behandelt die heiklen Themen Selbstmord und Ausbeutung mit schwarzem Humor.

In dem Film*„Eat Your Makeup*“ von John Waters aus dem Jahr 1968 geht es um ein gestörtes Kindermädchen, das Teenager-Mädchen kidnappt. In dem Film tritt Divine als eine der Freundinnen auf, was zu einer unvergesslichen Fantasiesequenz führt, in der es um die Ermordung von JFK geht.

Alle diese Filme zeigen Waters‘ Furchtlosigkeit, Tabuthemen mit Humor anzugehen.

Das einst großartige Royal Cinema in der kleinen Stadt Archer City, Texas, steht seit einem Brand Mitte der 1960er Jahre leer. Seine Außenmauer ist völlig zerbröckelt, aber seine historische Bedeutung bleibt unbestritten.

Larry McMurtry, ein lokaler Autor und ehemaliger Einwohner von Archer City, schrieb „The Last Picture Show“, seinen zweiten Roman. Der Schauplatz ist das Royal Cinema, dessen verblasste Pracht mit der Geschichte verwoben ist und das Wesen des Landlebens einfängt.

Der freizügige sexuelle Inhalt des Buches und die schonungslose Darstellung des Kleinstadtlebens verärgerten McMurtrys Mutter, die nach 100 Seiten aufhörte zu lesen.

Trotz der anfänglich schlechten Verkaufszahlen von nur 900 Exemplaren landete „The Last Picture Show“ schließlich in den Händen von Peter Bogdanovich, einem jungen und ehrgeizigen Regisseur. Seine Vision sollte den übersehenen Roman bald zu einem neuen kulturellen Status erheben.

Die Verfilmung wurde zur Legende und inspirierte zahlreiche Podcasts und Dokumentationen über ihre Produktion. Bogdanovich stellte eine Besetzung aus Veteranen und zukünftigen Stars zusammen, angetrieben von McMurtrys Heimatstadt als perfektem Drehort für das fiktive Anarene.

Die Entscheidung, auf Anraten von Orson Welles in Schwarz-Weiß zu drehen, führte zu atemberaubenden visuellen Effekten, die jedes Bild wie eine Dorothea Lange-Fotografie aussehen ließen.

Erinnerungen von hinter den Kulissen

Johnny Hudson, der heutige Besitzer des Spur Hotels, lacht, wenn er nach den Dreharbeiten zu „The Last Picture Show“ in Archer City gefragt wird.

Er erinnert sich an die Szene, in der der Trainer der Schule das verwahrloste Basketballteam auf Herz und Nieren prüft, und erzählt von seinen eigenen Erfahrungen bei der Arbeit am Set.

Der Teenager Johnny hatte die Gelegenheit, mit Bridges und anderen Darstellern zusammenzuarbeiten und dabei 116 € pro Tag zu verdienen – ein beachtliches Einkommen für das ländliche Texas zu dieser Zeit.

Obwohl die Älteren von Archer City über die Darstellung von Alkoholkonsum und Promiskuität im Film empört waren, wurde „The Last Picture Show“ für acht Oscars nominiert und wurde zu einem Meilenstein des amerikanischen Kinos, der zeigt, wie Kunst anfängliche Missverständnisse überwinden und dauerhafte Anerkennung finden kann.

Die Wiederveröffentlichung von Béla Tarrs Film „Werckmeister Harmonies“ aus dem Jahr 2000 im Rahmen einer Retrospektive ermöglicht es den Zuschauern, seine beeindruckende Schwarz-Weiß-Kinematographie erneut zu betrachten. Der Film fängt meisterhaft die Komplexität von Macht und Gruppenhysterie in einer abgelegenen ungarischen Gemeinde ein. Gemeinsam mit der Co-Regisseurin und Cutterin Ágnes Hranitzky entwirft Tarr eine unheimliche Vision des kosmologischen Zusammenbruchs und des gesellschaftlichen Zusammenbruchs.

Die Macht des Schweigens

Eine wichtige Szene des Films ist eine Nahaufnahme von zwei Männern, die lange Zeit schweigend gehen. Ihre halb profilierten Gesichter stehen in starkem Kontrast zueinander, was zu einem dramatischen Bild führt. Dieser Einsatz von Stille und visueller Gestaltung hat mehrere Regisseure beeinflusst, darunter Gus Van Sant, der diese Sequenz in seinem Film „Gerry“ aus dem Jahr 2002 zitiert hat.

Ungarischer kultureller und historischer Einfluss

Werckmeister Harmonies“ spielt in einem abgelegenen ungarischen Dorf und befasst sich mit den komplexen Beziehungen zwischen Macht, gemeinschaftlicher Raserei und dem Zusammenbruch der Ordnung. Lars Rudolph spielt János, einen jungen Mann, der sich in dem Chaos zurechtfindet, das ein seltsamer Zirkus mit einem verrottenden Wal auslöst, der wie Tarrs früheres Epos „Sátántangó“ in Baja, Ungarn, gedreht wurde. Diese beunruhigende Präsenz verursacht irrationale Ängste und einen sozialen Zusammenbruch.

Der Film setzt sich auch mit den Auswirkungen der ungarischen Geschichte auseinander und reflektiert die Qualen der sowjetischen Niederschlagung des ungarischen Aufstands von 1956 und der Naziherrschaft unter Ferenc Szálasi im Jahr 1944. Tarrs Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller László Krasznahorkai schafft eine reichhaltige, Gogol-ähnliche Vision, die durch Tarrs charakteristische ausgedehnte Einstellungen und zurückhaltende Sprache gekennzeichnet ist.

Beklemmende Musik und surreale Bilder

Die Verwendung von dissonanter Musik und seltsamen Bildern in „Werckmeister Harmonies“ trägt zur beunruhigenden Stimmung des Films bei. Die schwermütige Musik von Víg Mihály und die raue Schwarz-Weiß-Kameraarbeit von Medvigy Gábor tragen zur unheimlichen Stimmung des Films bei. Eines der erschreckendsten Bilder ist der stumme Überfall auf ein örtliches Krankenhaus, der in der erschreckenden Vision eines nackten alten Mannes gipfelt.

Die Langzeitwirkung

„Werckmeister Harmonies“ ist immer noch eine dramatische Untersuchung von Macht, Chaos und der menschlichen Natur und fesselt das Publikum auch 24 Jahre später noch. Die Meditation des Films über die menschliche Neigung, sich der Tyrannei zu beugen, sowie seine unheimlichen Analogien zu aktuellen Ereignissen unterstreichen seine anhaltende Bedeutung. Mit seiner einfachen, aber tiefgründigen Erzählweise ist „Werckmeister Harmonies“ ein beängstigender Klassiker, der das Publikum weiterhin anzieht und verstört.